Led Zeppelín
Es el primer álbum lanzado el 12 de junio de 1969 por la banda inglesa de rock Led Zeppelin. Fue un álbum que introdujo muchos conceptos nuevos en la música rock, creando una interpretación completamente nueva del género.
Un debut más que prometedor, grabado en tan sólo 30 horas en los estudios Olympic de Londres en octubre del 68. La banda se encuadra con este disco dentro del movimiento blues británico, al lado de otros grupos como Ten Years After o Johnny Winter. Sin embargo, también da muestras evidentes de cuál va a ser su estilo personal: rock and roll impregnado de blues, con riffs virtuosos, folk e incluso influencias de la costa oeste americana (algunos comparan la voz de Plant con la de Janis Joplin). La mayoría de las canciones aparecen firmadas por Jimmy Page y el resto de miembros del grupo, salvo Plant, que seguía bajo contrato con la CBS.
El manager del grupo, Peter Grant, preparó con este disco el futuro asalto a América. En una visita a Nueva York, firmó un contrato por cinco años con Atlantic que daba a Page, productor de todos los discos del grupo, absoluta libertad en el plano musical. Además, les embarcó en una gira como teloneros de Vanilla Fudge, sustituyendo al grupo de Jeff Beck, que se tuvo que retirar a última hora. El 26 de diciembre de 1968, Led Zeppelin debuta en Denver, en la que sería la primera de sus giras triunfales por Estados Unidos.
Sobre la portada del disco, un vistazo a la foto del grupo (realizada por Chris Dreja, bajista de los Yardbirds) nos muestra a cuatro jovenzuelos con inquietudes musicales, muy propios del Londres de aquellos años. Y por supuesto, la foto del zeppelín en llamas, que dio pie a una anécdota. Durante una gira por Holanda, el grupo se presentó como The Nobs, ya que la baronesa Eva Von Zeppelin, sobrina del inventor del dirigible, se negó a que «unos monos chillones» usaran su apellido. Y eso a pesar de que intentaran convencerla, como contaba Page:
«La invitamos al estudio para que nos conociera y viese que éramos buenos chicos. Logramos calmarla, pero al salir del estudio, vio la foto del disco, con el Zeppelin ardiendo y montó en cólera.
Lista de las canciones
1. "Good Times, Bad Times" (Bonham/Jones/Page) 2:46
2. "Babe I'm Gonna Leave You" (Bredon) 6:41
3. "You Shook Me" (Dixon/Lenoir) 6:28
4. "Dazed and Confused" (Holmes/Page) 6:26
5. "Your Time Is Gonna Come" (Jones/Page) 4:14
6. "Black Mountain Side" (instrumental)(Jansch/Page) 2:05
7. "Communication Breakdown" (Bonham/Jones/Page) 2:27
8. "I Can't Quit You Baby" (Dixon) 4:42
9. "How Many More Times" (Howlin' Wolf —título original "How Many More Years"—/Bonham/Jones/Page) 8:28
Robert Plant participó en la escritura de las canciones, pero a causa de problemas contractuales no se pudo incluir en los créditos de las canciones.
Good Times Bad Times
(Jimmy Page, John Paul Jones & John Bonham)
La primera canción da la medida del disco. Good Times Bad Times es un rock clásico, con un riff pegadizo de Page y la sección rítmica Jones/Bonham empleándose a fondo. El tema fue lanzado como sencillo el 10 de enero del 69, y llegó al puesto 80 en las listas americanas.
Babe I'm Gonna Leave You
(Anne Bredon/Jimmy Page & Robert Plant)
Babe I'm Gonna Leave You era un tema de Anne Bredon, una cantante folk de los 50 también conocida como Annie Briggs y que ya había versionado Joan Baez (no era pues un tema "tradicional" como indicaban los créditos originales del disco). Plant había interpretado la canción en uno de sus primeros encuentros con Jimmy Page en la casa de éste en Pangsbourn, y entre los dos adaptaron la versión de Joan Baez, aunque dándole un sonido mucho más duro, fusionando elementos acústicos y eléctricos. La contribución de Annie Briggs aparece reconocida gracias a su hijo, que descubrió la versión original y forzó legalmente su inclusión en los créditos del disco.
You Shook Me
(Willie Dixon & J.B. Lenoir)
Uno de los dos "standards" de blues del disco, You Shook Me había sido grabado por Willie Dixon y anteriormente por Muddy Waters. La canción tiene un tempo pronunciadamente lento, lo que hace destacar la ironía de la letra (con algunas líneas tomadas de la canción Stones In My Passway, de Robert Johnson: "I have a bird that whistles, and I have birds that sing". En la parte músical, aparece por primera vez John Paul Jones tocando el órgano, así como la armónica de Plant, tocada casi con "pereza". El final del tema es un diálogo entre Robert Plant y la guitarra de Page con efectos curiosos, como el eco que precede al sonido, un truco de estudio muy usado por Page (como en Ten Little Indians, grabada con los Yardbirds). Mas referencias: Jeff Beck grabó anteriormente una versión para su album Truth con arreglos similares, pero el caso es que la canción era todo un clásico para los músicos de blues británicos, con lo que no parece justo hablar de plagio.
Dazed And Confused
(Jimmy Page)
Uno de los puntos culminantes del disco, Dazed And Confused presenta varias curiosidades. La primera, el origen de la canción; parece probado que provenía de una canción acústica del cantante folk Jake Holmes, con el mismo título. Los Yardbirds grabaron la canción cambiando el título por I'm Confused (probablemente para evitar problemas de copyright, como ya habían hecho con Train Kept A-rollin – Stroll On). En algunos LP's anteriores a Led Zeppelin, la canción aparece como Dazed And Confused, atribuída a los New Yardbirds. Y en Led Zeppelin mantiene este título pero con distinta letra (la canción trataba inicialmente de un "viaje" con LSD). Sobre la presunta autoría de los New Yardbirds, Page comentaba:
"No sé nada de eso. Prefiero no meterme porque no conozco todas las circunstancias. ¿Qué tiene, el riff o qué? Porque Robert escribió algunas de las letras en ese disco. Pero sólo estaba escuchando... la extendimos a partir de la que tocábamos con los Yardbirds. No he escuchado a Jake Holmes, así que no sé de qué va de todos modos. Normalmente mis riffs son bastante originales [risas]. ¿Qué puedo decir?"
Ese riff del que habla Page es uno de los puntos fuertes de la canción, y por supuesto no pasó desapercibido (poco tiempo más tarde, los Black Sabbath prácticamente lo calcaban en su Paranoid). También conviene destacar la parte central, en la que Page toca la guitarra con... ¡un arco de violín! La idea se la había sugerido un violinista de estudio, y ya la había usado con los Yardbirds en canciones como Glimpses o Tinker Tailor Soldier Sailor. El arco vuelve a aparecer en este mismo disco, en How Many More Times y diez años más tarde en In The Evening. Después del trozo con el arco aparece un solo fantástico que también procede de la época de los Yardbirds, concretamente de la canción Think About It (al igual que la linea del bajo que toca Jones).
Your Time Is Gonna Come
(Jimmy Page & John Paul Jones)
En esta ocasión, todo el protagonismo es para John Paul Jones, que toca el órgano. Por lo demás, la canción es un "medio tiempo" al estilo de las bandas californianas (aunque la letra es típicamente blues). Por cierto, un tema de Lynrd Skynrd, el famoso Sweet Home Alabama, comparte algo más que un par de acordes con esta canción. Algunos fans con buen oído aseguran que al final de la canción hacia el punto 4:33, se puede escuchar como Plant dice algo (supuestamente "Wait for you, wait for you..."
Black Mountain Side
(Jimmy Page)
Casi antes de que acabe Your Time Is Gonna Come, aparece este delicioso instrumental de Page, ayudado en la percusión (tabla hindú) por Viram Jasani. De nuevo, la inspiración para este tema proviene de artistas folk, como Bert Jansch (cuyo tema Blackwater Side tiene un riff prácticamente idéntico), aunque Page vuelve a citar a Annie Briggs:
"No fui totalmente original en ese riff. Se oía mucho en los clubs de folk. Annie Briggs fue la primera a quién se lo oí tocar. Yo también lo usaba y también estaba la versión de Bert Jansch."
Sin embargo,según Annie Briggs el riff es obra de Stan Ellison, que compuso el acompañamiento de su versión. Parece ser que a Page le enseñó la canción el músico folk Al Stewart, durante una sesión de estudio, y le parecio fantástica, aunque había una pequeña diferencia: la afinación de la guitarra debía ser en Re natural. De hecho, la forma de afinar que aparece en esta canción, Re La Re Sol La Re, (DADGAD en la notación inglesa) es todo un clásico que también se puede encontrar en White Summer, Kashmir, Swan Song (inédita) y Midnight Moonlight. Supuestamente, Davey Graham fue su creador, aunque no se sabe muy bien si Page estaba al tanto. Como curiosidad, Led Zeppelin solía interpretar en directo Black Mountain Side en un medley junto con White Summer.
Communication Breakdown
(Jimmy Page, John Paul Jones & John Bonham)
Esta canción, realmente rápida, fue la cara B de Good Times Bad Times y es el rock más clásico del disco. Tiene algunas similitudes con Nervous Breakdown, de Eddie Cochran, aunque más como homenaje que como fuente directa. Las mejores versiones de la canción se encuentran en algunos discos piratas, donde Robert Plant aprovecha la parte central para "desconectar" e improvisar otras canciones (por ejemplo, It's Your Thing, de los Isley Brothers).
I Can't Quit You Babe
(Willie Dixon)
El segundo clásico de blues del disco está grabado a mayor gloria de Robert Plant, que pega unos gritos realmente asombrosos (a este respecto, las leyendas sobre Plant cuentan que en sus inicios cantaba con tanta potencia que llegaba a romper los altavoces). Exageraciones aparte, el grupo entero demuestra su oficio como banda de blues, uno de sus puntos fuertes. También es reseñable la batería de John Bonham, que llena por sí sola trozos enteros de la canción.
How Many More Times
(Jimmy Page, John Paul Jones & John Bonham)
Y para despedirse, todo un monumento de canción, de más de ocho minutos (y no tres y medio, como decía la contraportada original –se rumorea que para engañar a los pinchadiscos de la radio y que la emitiesen al menos una vez). Musicalmente, la canción es una mezcla de muchos elementos: el riff, tan simple como efectivo, la sección central con Page usando el arco de violín y algunas sorpresas como un trozo de Beck's Bolero, la composición de Page para el primer single de Jeff Beck, que aparece como un guiño o quizás como un chiste privado. También están las habituales referencias a blues clásicos: How Many More Years, de Howlin' Wolf ya interpretada por The Band of Joy, o The Hunter, de Albert King, el trozo de "Rosie" y el "They call me the Hunter..." que canta Plant antes de que vuelva a aparecer el estribillo (sobre una base de Bonham en plan marcha militar). El resto de la letra parece que esta basada en otra versión del mismo título grabada por Gary Farr & The T-Bones, mientras que los arreglos son una adaptación de las improvisaciones en directo de Smokestack Lightning, otra canción de Howlin' Wolf que solían interpretar los Yardbirds liderados por Page. También es impresionante el discursito de Plant, contando sus "problemas" ("...diez hijos y otro de camino, eso hacen once".
Led Zeppelin solía incluir esta canción en sus actuciones, con algunas variantes.
Bajar Aca!
Led Zeppelin II
Es el segundo álbum de Led Zeppelin, lanzado el 22 de octubre de 1969 y editado por Atlantic Records. La banda retomó las ideas de su primer disco, Led Zeppelin y las desarrolló creando un álbum aún más revelador y aplaudido.
La consagración del sonido Zeppelin llegaría con este disco. Led Zeppelin II contiene un sonido mucho más duro y a la vez un estilo más refinado en las piezas de blues y folk. El álbum fue realizado con el grupo en plena gira, así que cada canción se grabó en un estudio distinto y todas se mezclaron en los estudios A&R de Nueva York con la asistencia de Eddie Kramer, uno de los productores habituales de Jimi Hendrix.
Led Zeppelin II supuso un inmenso éxito, gracias sobre todo a su single de presentación, Whole Lotta Love, una de las mejores canciones de rock de todos los tiempos. Una toma editada de la canción llegó al número 4 de las listas americanas (pese a las quejas de Page), y también una versión del grupo CCS, liderado por Alexis Korner se usó durante años como sintonía del programa de la BBC Top of the pops.
La portada, diseñada por David Juniper, tiene varios detalles interesantes: los hombres que aparecen en la foto son pilotos de la división Jasta de la Luftwaffe (la fuerza aerea alemana), con las caras cambiadas por las del grupo. También aparecen las caras de Peter Grant, Richard Cole, el "bluesman" Blind Willie Johnson y una mujer, que resulta ser Glyns Johns (la madre en la película Mary Poppins). Esto último parece ser una broma sobre Glyns Johns, productor del primer disco. La silueta del Zeppelin, blanca sobre el fondo marrón hace que se conozca también al disco como "The Brown Bomber". Una curiosidad interesante: las primerísimas ediciones del disco incluían el subtítulo "The only way to fly", y hoy en día es difícil encontrar tales ediciones sino es con una buena suma de dólares.
Lista De Canciones
1. "Whole Lotta Love" (Bonham/Dixon/Jones/Page/Plant) 5:34 (1)
2. "What Is and What Should Never Be" (Page/Plant) 4:44
3. "The Lemon Song" (Bonham/Jones/Page/Plant) 6:19 (2)
4. "Thank You" (Page/Plant) 4:47
5. "Heartbreaker" (Bonham/Jones/Page/Plant) 4:14
6. "Living Loving Maid (She's Just a Woman)" (Page/Plant) 2:39
7. "Ramble On" (Page/Plant) 4:23
8. "Moby Dick" (Bonham/Jones/Page) 4:21 [instrumental]
9. "Bring It On Home" (Dixon/Page/Plant) 4:20
Whole Lotta Love
(Jimmy Page, Robert Plant, John Paul Jones & John Bonham)
La risa de Robert Plant inicia la canción más reconocible del grupo (después de Stairway to Heaven). Whole Lotta Love tiene mucha historia detrás. El riff, una "marca de la casa" de Led Zeppelin, es invención de Page, pero la letra es de You Need Love, una canción de Willie Dixon. Según Plant:
"El riff era el de Page. Estaba ahí antes que nada. Yo pensé, 'bueno, y ¿qué canto?'. Eso era, un pequeño 'robo'. Ahora felizmente compensado. Por aquel entonces, había muchas conversaciones sobre qué hacer y se decidió que estaba tan lejano en el tiempo (7 años, de hecho), que... bueno, sólo te pillan cuando tienes éxito. Así es el juego."
En 1985, Willie Dixon inició un pleito contra la banda por el uso de su letra, aunque se llegó a un acuerdo. En las últimas ediciones de la canción (singles promocionales del Remasters, por ejemplo) Willie Dixon aparece incluído en los créditos.
La sección central de la canción incluye todos los trucos de estudio posibles. Algunos sonidos fueron creados por Page y Kramer moviendo controles al azar, los sonidos de platillos son de la pista de batería tocada por Bonham y los aullidos son de Plant (quién si no), filtrados hasta conseguir un timbre lo más exótico posible. Pero hay otro sonido que merece explicación aparte: se trata del theremin, un sintetizador muy primitivo. Fue inventado en los años 30 por un ruso que vivía en Inglaterra, Leo Theremin, y produce sonido mediante un oscilador de radiofrecuencia y la variación de capacidad entre una antena y... cualquier parte del cuerpo del intérprete al moverse. Page usaba este chisme en vivo al interpretar Whole Lotta Love y No Quarter. Pero también se puede oír este instrumento en canciones de otros grupos, como en la introducción de Good Vibrations, de los Beach Boys.
Era habitual en los conciertos que al terminar la canción, Plant improvisara alguna canción, como Let That Boy Boogie, de John Lee Hooker. Y esto sucede en una de las anécdotas mas graciosas del grupo: al final de uno de los shows de Knebworth en el 79, después de dos horas de actuación, Jimmy está exhausto, pero Plant sigue con el número: "...one night, I believe I told you this before, but one night I was laying down and hear my mama and papa talking...". Sin embargo, Page se cobra venganza, y cuando Robert va a dejar el escenario, levanta el dedo, indicando "una más" y ¡comienza a tocar Communication Breakdown!
What Is And What Should Never Be
(Jimmy Page & Robert Plant)
Una bonita composición del tandem Page/Plant, con la típica letra de amor de Plant y su voz filtrada (con flanging, un efecto que consiste en mezclar la señal original con la misma señal retardada y modulada). La canción parece estar formada por dos partes, con un final mucho más enérgico introducido por otro riff clásico de Led Zeppelin.
The Lemon Song
(Jimmy Page, Robert Plant, John Paul Jones & John Bonham)
Sin duda, una de mis canciones favoritas de Led Zeppelin. El tema se grabó en vivo en el estudio, y se inicia con el gong de John Bonham, seguido de otro riff maravilloso de Page al que responde la batería. The Lemon Song comprende practicamente todas las influencias blues de Led Zeppelin, especialmente en la letra, que no estuvo exenta de problemas legales. Howlin' Wolf presentó una demanda contra el grupo, ya que la canción tomaba mucho prestado de su Killing Floor (incluso, en las primeras ediciones del II, ese era su título).
Después del primer solo, toda una joya, la canción casi se convierte en una jam session, y el protagonismo es para John Paul Jones, magistral al bajo, y Robert Plant. En ese punto se suceden multitud de referencias, como Cross Cut Saw, de Albert King, Hoodoo Woman, de Lightning Slim (la parte de "...you take my money and give it to another man" y la primera versión de Travelling Riverside Blues, de Robert Johnson (curiosamente, la parte del "limón", que Johnson había tomado de Art McKay: She Squeezed My Lemon).
El verso final ("down on this killing floor" es una expresión clásica del blues: la mujer que deja al hombre tirado, casi como en un "matadero". El tema ha tenido muchas adaptaciones, como la versión del Killing Floor que hizo Hendrix.
Thank You
(Jimmy Page & Robert Plant)
Una preciosa canción de amor de Robert Plant, dedicada a su primera esposa, Maureen. Robert la conoció en un concierto de Georgie Fame, y se casó al poco tiempo con ella, el 9 de noviembre de 1968. En Thank You le dedica una de sus mejores letras, con algunos préstamos de If 6 was 9, que aparece en el Lp Axis: Bold as Love de Jimi Hendrix.
Los otros detalles interesantes de la canción son la intervención de John Paul Jones al órgano (de los cuatro miembros de la banda, Jones parece el único capaz de tocar cualquier instrumento) y los coros del propio Jimmy Page, con una calidad más o menos aceptable (se le puede oír en la parte de "little drops of rain". También es curioso el parecido en los acordes a una canción del grupo Traffic llamada Dear Mr. Fantasy, debidas según se cree a que Jimmy Page fue el guitarrista en esa canción.
Heartbreaker
(Jimmy Page, Robert Plant, John Paul Jones & John Bonham)
¡Atención! Llegamos en este punto a uno de los mejores solos de guitarra de todos los tiempos. Lo cierto es que Heartbreaker es una de las mejores canciones del disco, gracias a su riff machacón (uno de los favoritos de Beavis y Butthead, por cierto) pero sobre todo a ese corte en mitad de la canción. En ese momento justo, Page realiza un sólo en el sentido más académico de la palabra y sólo después de recuperar el aliento, volvemos a oír al resto de la banda.
La importancia del solo no es casual, y de hecho, fue grabado por separado y añadido al resto de la canción, con magnífico resultado. Durante los conciertos, Page solía encadenar Heartbreaker con otras canciones, como Bouree (una adaptación de la Suite para laud nº 5 de Bach que realizaron Jethro Tull) o 59th Street Bridge Song, de Simon and Garfunkel.
Living Loving Maid (She's just a woman)
(Jimmy Page & Robert Plant)
Apenas acaba Heartbreaker aparece esta canción, que fue la cara B de Whole Lotta Love, aunque sólo alcanzó el puesto 65 en listas americanas. Según todos los indicios, Living Loving Maid se refiere a una insistente groupie, que no dejaba de acosar a la banda durante las primeras giras americanas. De nuevo es el tema de la guitarra el que marca todo el ritmo de la canción, una excelente pieza de rock.
Ramble On
(Jimmy Page & Robert Plant)
Llegamos por fin a otra de las obsesiones líricas de Led Zeppelin (o al menos de Robert Plant): la obra de Tolkien. John Ronald Reuel Tolkien (1892-1973) fue profesor de literatura y lengua inglesa en la universidad de Oxford, y aparte de sus estudios sobre literatura medieval o sobre Chaucer, es más conocido por sus novelas, como El Hobbit (1937) y la trilogía El señor de los anillos (1954-1955), en las que desarrolla un universo propio mezcla de magia, tradición e imaginación poética. Ramble On está plagada de referencias directas a Tolkien, como las alusiones a Mordor, Gollum y "the evil one". Mordor aparece en El señor de los anillos como un territorio desolado por la influencia de Sauron, el "señor oscuro" también mencionado en The Battle of Evermore. Por otro lado está Gollum, un Hobbit que cayó bajo el poder del anillo y se convirtió en monstruo. La identidad del "malvado" no esta muy clara: puede tratarse de Saruman, Morgoth... Otra referencia indirecta puede ser la constante búsqueda de que habla la canción, aunque más bien se acerca al otro tema recurrente de Plant, la búsqueda incesante de la mujer perfecta (una mujer que "nunca ha nacido", como dice en Going to California).
Musicalmente, lo más interesante de la canción es el ritmo constante de batería (quizás un bongo) y la perfecta fusión del bajo y la guitarra acústica. También el final de la canción, con la voz de Plant doblada varias veces, con lo que parece que hay cuatro o cinco "Roberts", cada uno cantando una línea distinta.
Moby Dick
(John Bonham, John Paul Jones & Jimmy Page)
El turno es ahora para John Bonham, "Bonzo", que realiza uno de los mejores solos de batería de la historia. Por aquella época, en un momento en que el rock empezaba a presumir de virtuosismo, era habitual que los sólos no se limitaran a la guitarra, y así se pueden encontrar auténticas exhibiciones de batería en Soul Sacrifice, de Santana, The Mule de Deep Purple o Toad, de Cream, que resulta ser una de las influencias directas de Moby Dick. Pero aún hay mas.
El título de trabajo de la canción era Pat's Delight, un homenaje a la mujer de Bonham, y la versión que aparece en el disco es parte de otra mucho más larga. El trozo con guitarra y bajo proviene de una canción grabada para la BBC el 16 de Junio del 69, de título The Girl I Love, que nunca se llegó a usar. A su vez, ésta proviene en parte de una canción grabada por Sleepy John Estes en ¡1929!, titulada The Girl I Love, She Got Long Curly Hair. Y algunos fragmentos del solo de batería son calcados a los de la canción Doggone, de Arthur Lee.
El riff de guitarra también tiene una historia propia. Parece ser que se inspira en Watch Your Step, una canción de Bobby Parker, un bluesman a quién Page quiso contratar para el sello de Led Zeppelin, Swan Song. El propio Parker señalaba que la fuente de esa canción era el tema Mantecna, de Dizzy Gillespie, de modo que un tema de jazz se convierte en un blues que se convierte en un tema de rock. Pero ahí no acaba la historia: The Spencer Davis Group, con Steve Winwood al frente, realizaron una versión de Watch Your Step que tuvo un gran éxito en el Reino Unido. Y el mismísimo John Lennon apuntó que el tema de guitarra para Day Tripper empezó como una variación sobre el de Bobby Parker.
Bring It On Home
(Jimmy Page & Robert Plant)
Después de tanta referencia más o menos oculta, la última canción deja a las claras que es la admiración la que lleva a Led Zeppelin a hacer versiones de blues clásicos. Bring It On Home, era una canción original de Willie Dixon (y la querella sobre The Lemon Song también la mencionaba), pero esta versión es más cercana a la que hizo Sonny Boy Williamson II. Tanto es así, que al principio y al final de la canción, Plant imita el estilo de Williamson, cantando por el micrófono de la armónica.
Bajar Aca!
Led Zeppelin III
Es el tercer álbum de Led Zeppelin, lanzado el 5 de octubre de 1970 por Atlantic Records. Este álbum añadía acústica y elementos de folk rock al repertorio de la banda, lo cual cautivó a los seguidores del rock progresivo. Los detractores embistieron contra la música heavy calificándola de ruido acrítico, mientras que el material acústico fue tachado de pálida imitación de la música de Crosby, Stills and Nash (and Young). En ese año la revista Rolling Stone había dado duras críticas al álbum. Críticas que no se pueden encontrar en los archivos dado que fueron eliminadas ya que éste LP, representa uno de los mejores discos de la banda.
Esta cita, incluida en la cubierta de Led Zeppelin III sirve para explicar el carácter sorprendentemente tranquilo del disco. Page y Plant se retiraron a esta granja para descansar de las giras y de todo el éxito que había alcanzado el segundo disco, y trabajaron en algunas canciones, muy influidas por la atmósfera del campo. Posteriormente grabaron el disco a medias entre Headley Grange, una mansión en Hampshire (con el estudio ambulante de los Rolling Stones) y los estudios Island en Londres.
El disco quedó así dividido en dos caras completamente distintas: en la primera, los clásicos temas de rock y blues totalmente eléctricos, mientras que en la segunda aparecían exclusivamente temas folk o predominantemente acústicos. La crítica, tras la tremenda sacudida de Led Zeppelin II, esperaba algo más contundente, y no acogió muy bien al 3er álbum. Sin embargo, a muchos les parece uno de los mejores discos de la banda.
En cuanto al aspecto externo del disco, la portada es mucho más atrevida que las dos anteriores y está plagada de imaginería hippy. En la edición en vinilo, la carpeta está cubierta de agujeros, con lo que se puede ver la funda del disco, con un diseño completamente psicodélico. El conjunto total, ideado por un tal Zacron, no pareció ser del agrado de Page:
«Conocía al artista y le expliqué lo que queríamos... pero se puso muy personal con el diseño. No estaba muy contento con el resultado final; me parecía un tanto exótico. Había un monton de tonterías, como mazorcas de maíz [a modo de zeppelin] y cosas así.»
Lista de canciones
1. "Immigrant Song" (Page/Plant) 2:23
2. "Friends" (Page/Plant) 3:54
3. "Celebration Day" (Page/Plant/Jones) 3:28
4. "Since I've Been Loving You" (Page/Plant/Jones) 7:24
5. "Out On the Tiles" (Page/Plant/Bonham) 4:05
6. "Gallows Pole" (trad. arr. Page/Plant) 4:56
7. "Tangerine" (Page) 3:10
8. "That's the Way" (Page/Plant) 5:37
9. "Bron-Y-Aur Stomp" (Page/Plant/Jones) 4:16
10. "Hats Off to (Roy) Harper" (trad.) 3:42
Inmigrant Song
(Jimmy Page & Robert Plant)
La canción vikinga de Led Zeppelin. Parece ser que la inspiración para este tema surgió durante una visita a Islandia en Junio del 70. De cualquier modo, el folklore de Valhalla y del "martillo de los dioses" parece encajar a la perfección con el talante del grupo.
El rasgo primordial de la canción es, aparte de los gritos de Plant, el ritmo machacón (como los remos de la letra). Dentro del capítulo de sonidos extraños, un apartado muy fecundo en toda la discografía zeppelin, los que se pueden oír al comienzo de la canción son ruido de cintas mezclados con la cuenta inicial ("one, two, three...".
Friends
(Jimmy Page & Robert Plant)
Siguiendo con los ruidos, el inicio de Friends tiene de todos los colores. Podemos oír una conversación, aunque no se distingue quien habla ni qué dice. Lo que sí se oye es, justo después de la entrada falsa del bajo, a Jimmy diciendo "Fuck!", e inmediatamente un "Ssh". Parece claro que Jones entra antes de que Page esté preparado, y la voz que chista pide silencio a la gente que sigue hablando por detrás (entre ellos, según aseguran algunos, Peter Grant).
Pero centrémonos en la canción. Friends es una canción con una atmósfera que recuerda claramente a la música india, gracias sobre todo a la sección de cuerda (no es un mellotron, como se asegura en ciertos sitios). También es de inspiración clásica el riff que toca Page con la guitarra acústica. Un dato técnico interesante es la afinación de la guitarra, Do Sol Do Sol Do Mi. El Mi de la sexta cuerda hace que esté muy floja, con lo que hace un zumbido muy curioso. Otro dato, y éste no es tan técnico, es que la historia que cuenta Plant es real (?).
Celebration Day
(Jimmy Page, Robert Plant & John Paul Jones)
Celebration Day es una de las mejores canciones de Led Zeppelin sobre todo por su letra. No es fácil encontrar canciones de contenido "social" en los discos de la banda, pero desde luego esta sería una de ellas. Según Jones, el grupo quedó bastante asustado del ambiente de violencia habitual en los Estados Unidos, y parte de la letra de Celebration Day puede ser un reflejo de la opinión de Plant.
En cuanto a la canción, es fácil darse cuenta de que el zumbido con el que acaba Friends y empieza Celebration Day está ahí para tapar un error: la introducción, a cargo de Page, resultó borrada accidentalmente (algunas fuentes maliciosas dicen que fue Richard Cole el que la borró). Y la verdad es que eso nos deja con la miel en los labios, porque el arranque es prodigioso, con una mezcla de dos guitarras, cada una en un canal del estéreo.
Since I've been loving you
(Jimmy Page, Robert Plant & John Paul Jones)
Por una vez, la principal aportación blues del disco es original de Page y Plant, exceptuando algunas referencias de la letra a la canción Never, de Moby Grape. Since I've been loving you es un blues desgarrado, con una intensidad extrema, y desde luego, con todos los tópicos del género; sobre todo el del "back door man", llevado a canción por Willie Dixon. En este caso, Plant añade "new fangled", (¿quizás para evitar problemas de copyright?).
Esta canción es especialmente recordada por otro "fallo". El pedal del bombo de Bonham chirría bastante, sobre todo al inicio de la canción (según Page, "¡suena más fuerte cada vez que lo oigo!"
. También merece la pena destacar otro solo formidable de Page, introducido por Plant de la mejor manera: Watch Out!Out on the tiles
(Jimmy Page, Robert Plant & John Bonham)
Out on the tiles es un término de jerga británica que significa algo así como "de paseo por la ciudad". Se cree que el título fue obra de Bonham, después de tomarse unas copas (como era su costumbre). La introducción es especialmente buena, y tanto es así que era una de las habituales para dar la entrada a Black Dog.
El riff de guitarra es especialmente elaborado, y eso puede explicar el "Stop!" que se oye en un fragmento de la canción. Según esa teoría, la voz es de Page, que da el grito para acordarse que tiene que parar de tocar. Otros argumentan que es la voz de Plant, y que grita porque Page le está haciendo gestos y no le deja cantar. Sobre la inclusión de Bonham en los créditos, queda suficientemente clara al final de la canción, en el que se emplea a fondo (se pueden distinguir tres "rellenos" de batería distintos, y los tres realmente poderosos).
Gallows pole
(Traditional, arr. by Jimmy Page & Robert Plant)
La canción que da titulo a estas páginas es una interesante pieza de folk, con la estructura típica de tema y repeticiones. Gallows Pole, que inicia la cara acússtica del disco, es una adaptación de un tema folk clásico, que ya había sido tratado por Fred Gerlach o por bluesmen como Leadbelly, en su The Gallis Pole (de esta canción se mantiene una línea entera: "Friend, did you get me silver friend you get me gold, what did you get me dear friend, keep me from the Gallis Pole?" y las posteriores repeticiones).
En el aspecto musical, Page aparece tocando por primera vez un banjo, propiedad de John Paul Jones. El banjo no es un instrumento particularmente difícil, y menos para un buen guitarrista, pero según Jones, Jimmy se limitó a tocar y tocar hasta que los acordes le sonaron bien, que era lo que hacía cuando las guitarras tenían afinaciones distintas.
Tangerine
(Jimmy Page)
Una preciosa balada que Jimmy Page compuso para Jackie DeShannon, su novia durante la época de los Yardbirds. La cancion tiene un falso comienzo que bien podría haber sido otra gran canción, y después de oir a Page contando hasta cuatro, la banda se marca una pieza de inspiración country, con steel guitar y todo. Como anécdota curiosa, durante un concierto en Earl's Court en 1975, los cuatro miembros del grupo cantaron juntos por primera (y única) vez, y la canción elegida fue Tangerine.
That's the way
(Jimmy Page & Robert Plant)
Otra de las canciones compuestas durante el retiro campestre de Page y Plant y que originalmente se titulaba The Boy Next Door. Según Plant, la canción trata sobre la pérdida de un amigo, aunque también menciona temas sociales, o incluso ecológicos. La tranquilidad de la canción habría venido inspirada por contraste a la agitación que Robert pudo observar de cerca en su viaje por los Estados Unidos en 1970. Sobre los datos técnicos, al final de la canción aparece una guitarra al revés, un efecto que volverá a aparecer en este mismo disco.
Bron-y-aur stomp
(Jimmy Page, Robert Plant & John Paul Jones)
Una bonita canción folk, que desgrana una bonita historia de amor y está dedicada... al perro de Robert Plant. El animalito, de nombre Strider, tiene los ojos azules según la canción, lo que hace pensar que sea un Collie (este último dato lo puede rebatir cualquiera que sepa más de perros que yo). En cualquier caso, la canción tiene muchas peculiaridades, como su título. Bron-Y-Aur es el nombre de la casa de campo donde Page y Plant permanecieron durante unas semanas para descansar y componer su tercer álbum. El nombre es galés, y aunque nadie lo tiene muy claro, parece ser que su escritura correcta es Bron-Yr-Aur y su pronunciación "bron-rar". Nadie tiene muy claro su significado correcto, aunque la versión más extendida es "el pecho de oro" (sin comentarios).
Musicalmente, la primera versión del tema no era acústica, y llevaba un título más asequible, Jenning's Farm Blues. La versión del álbum presenta un sonido de guitarra especialmente denso, que se consiguió con una afinación especial de la guitarra y añadiendo una buena cantidad de eco invertido. La percusión, a cargo de John Bonham, incluye castañuelas y cucharas, facilmente reconocibles en el estribillo.
Y como no podía ser menos, también hay una ración de prestamos más o menos consentidos. El primero es la introducción, calcada a The Waggoner's Tale, una canción tradicional interpretada por Bert Jansch. Las alusiones caninas de la canción nos remontan a Ole Shep, un tema folk en el que el perro moría por alguna razón desconocida...
Hats off to (Roy) Harper
(Traditional, arranged by Charles Obscure)
Una de las canciones menos apreciadas de Led Zeppelin, y sin embargo un gran tema. Primero hay que explicar de Roy Harper es un músico folk, que era amigo del grupo e incluso iba de gira con ellos, aunque sin actuar. Quizás su intervención estelar sea la voz solista en Have A Cigar, de Pink Floyd.
La letra de Hats Off debe mucho a Shake 'em On Down, de Bukka White, que ya fue versionada por Joe Lee Williams o Blind Lemon Jefferson; y cualquiera que entienda inglés comprobará las absolutas "burradas" que contiene (desde luego, en ningún genero que no sea el blues se pueden encontrar esas letras). Pero lo más interesante es el sonido de la canción, con la voz de Plant muy filtrada y con tremolo y la guitarra obteniendo sonidos muy particulares (en concreto parece que Page toca las cuerdas a lo largo con algún objeto
Bajar Aca!
Led Zeppelin IV
El cuarto álbum de la banda Led Zeppelin, el cual no tiene título, es conocido por varios nombres distintos: "Zoso", "Led Zeppelin IV", "Runes", "Four Symbols", "Four", "Sticks" o incluso "Unnamed". El álbum no tiene un título oficial que pueda ser pronunciado o escrito como caracteres habituales de texto.
La reacción al tercer disco de Led Zeppelin fue, en su momento, bastante tibia. La crítica esperaba un sonido más duro, y los fans reclamaban que el grupo siguiera por el camino marcado en el II. Algunos acusaban al grupo de ser poco más que unos cuantos músicos bajo un nombre, y la respuesta fue muy clara:
"Acabamos hartos de las reacciones sobre el tercer álbum, de la gente diciendo que solamente éramos un montaje. Así que dijimos: '¡Saquemos un álbum sin título!' De ese modo, a la gente le gustaría o nada"
Page
El resultado superó las espectativas. Para la mayoría de los fans y para la crítica, el cuarto álbum es el mejor de Led Zeppelin (algunos fans prefieren Physical Graffitti, quizás por ser doble), y según la crítica, la banda nunca volvería a llegar al nivel que alcanza en este disco.
Fue lanzado en 1971 y vendió 15 millones de copias en poco tiempo, estableciendo al grupo como una mega-banda. Con el tiempo, ha llegado a vender 22 millones de copias, convirtiéndose en el segundo álbum más vendido de los años 1970, sólo por detrás de The Wall, y en uno de los más vendidos de todos los tiempos.
El álbum incluye temas como Black Dog, When the Levee Breaks, Going to California. Pero el más importante es sin duda Stairway To Heaven, el cual todavía es considerado la pieza definitiva de la década de los años 70 y la inspiración para demasiadas revelaciones de adolescentes para procesar con la mente humana.
Este álbum, llamado comúnmente Led Zeppelin IV, fue el LP más vendido de la banda y actualmente está en la ubicación nº 4 de los álbumes más vendidos de la historia según la RIAA (Recording Industry Association of America). Desde luego este disco es legendario, casi mitológico, con una historia muy particular detrás de cada pequeño detalle.
Para empezar, su título. Por razones de continuidad, todo el mundo tiende a llamarlo Led Zeppelin IV, aunque esto no es del todo riguroso. En su versión original, no había absolutamente NADA escrito en el disco que permitiese identificarlo, salvo la frase "Produced by Jimmy Page" en la funda interior. La sensación de misterio que encierra la edición en vinilo es formidable, algo que se ha perdido completamente con la edición en CD (para fans de Led Zeppelin es importante coleccionar copias en vinilo de este disco, ya que son un pedazo de historia).
Para aumentar más el misterio, en la funda también aparecían unos extraños símbolos únicos, que ahora sabemos que cada uno es, algo así, como una firma de cada uno de los integrantes de la banda. Otro tanto sucede con la portada, que en esta ocasión conectó más con los gustos del grupo, como comentaba Page:
"Robert y yo ideamos el diseño del IV. Robert había comprado la lámina que aparece en la portada en una chatarrería en Reading. Entonces se nos ocurrió la idea de que la imagen -el hombre con la leña- representase lo antiguo en un edificio derruido, con lo nuevo surgiendo por detrás."
El símbolo de John Bonham
Es un símbolo temprano de la Trinidad. Cada círculo tiene su propio centro, por lo cual están completos en sí mismos; al mismo tiempo cada uno tiene una gran porción en común con los demás círculos, aunque solo la parte central esta cubierta por los tres círculos. En esa porción hay un nuevo centro que es el corazón verdadero de la figura
El símbolo de John Paul Jones
Este signo se usa para exorcizar los espíritus malignos. En el caso de este signo así como en el del pentagrama y octograma, es interesante notar que requieren una cierta destreza, y que una persona torpe sería incapaz de dibujarlos.
El símbolo de Robert Plant
La pluma es un símbolo en el que se han basado todo tipo de filosofías, y tiene una herencia interesante. Por ejemplo, significa valentía en muchas tribus. Quiero contar la verdad. Sin tonterías. Eso es es lo que significa la pluma en el círculo. La civilización Mu vivió hace unos 15.000 años en un continente perdido que existió en alguna parte del océano Pacífico entre China y México. Toda clase de cosas están ligadas a Mu, includas las efigies de la isla de Pascua. La gente de Mu dejó tablillas de piedra con sus símbolos en México, Egipto, India, China y muchos otros sitios, y todas datan de la misma época. Los chinos decían que esa gente venía del este, y los mexicanos decían que venían del oeste, así que obviamente eran de algún lugar en el medio.
El símbolo de Jimmy Page
Representa la chispa creativa de conciencia divina que existe en cada individuo, enlazándole con la fuente del origen de la vida y haciéndole cocreador del mundo. Representa el deseo de vivir y la energía vital del individuo.
A este respecto, en una de las casas que se ven al fondo de la foto aparece un cartel blanco con este mensaje: "Alguien muere de hambre cada día". Se intentó que las letras fueran más visibles, pero el resultado es el que aparece. La ilustración del interior, elegida especialmente por Jimmy, fue realizada por Barrington Colby, y representa al Ermitaño del tarot, una figura que representa (según Page) autosuficiencia y sabiduría. Por supuesto que tiene sus curiosidades; si pones el dibujo junto a un espejo, la montaña parece un dragón (o un perro, o cualquier cosa que quieras...).
Y lo último. En la funda del disco aparecía la letra de una de las canciones. Se trataba por supuesto, de Stairway To Heaven.
Listado de Pistas
1. "Black Dog" (Page/Plant/Jones) - 4:54
2. "Rock and Roll" (Page/Plant/Jones/Bonham) - 3:40
3. "The Battle of Evermore" (Page/Plant) - 5:51
4. "Stairway To Heaven" (Page/Plant) - 8:03
5. "Misty Mountain Hop" (Page/Plant/Jones) - 4:38
6. "Four Sticks" (Page/Plant) - 4:44
7. "Going to California" (Page/Plant) - 3:31
8. "When the Levee Breaks" (Page/Plant/Jones/Bonham/Memphis Minnie) - 7:07
Black Dog
(Jimmy Page, Robert Plant & John Paul Jones)
Ruido sordo de guitarras y arranca la canción (y menudo arranque). Piropos descarados de Plant, un riff elaboradísimo, y la contundencia habitual de Bonham, con un ritmo quebrado. Black Dog fue lanzado como primer single del álbum en diciembre del 71, y llegó al puesto 15 de las listas americanas (sobre la carrera comercial del Untitled, es curioso comprobar que no llegó al numero uno de ventas, puesto ocupado por otro disco mítico, Tapestry de Carole King). Es un buen botón de muestra del álbum: rock puro y duro, directo al estómago.
Cabe señalar que en esta ocasión el riff sobre el que se construye la canción es el del bajo, cortesía de John Paul Jones. También que los arreglos vocales están influenciados por Oh Well de Fleetwood Mac, algo admitido por el propio Robert Plant (por cierto, esa canción es una de las mejores que yo haya oído en mi vida). Pero sobre todo merece la pena aclarar el nombre. Ese "perro negro" era un perro labrador que deambulaba por Headley Grange mientras la banda grababa. A Robert le gustaba presentar la canción contando que el perro era "demasiado viejo para bailar el boogie".
Sólo una nota más: en los conciertos Led Zeppelin solía reemplazar la apertura de Black Dog con la de cualquier otra como Out On The Tiles o Bring It On Home, quizás como broma sobre el parecido de los acordes.
Rock And Roll
(Jimmy Page, Robert Plant, John Paul Jones & John Bonham)
Bajo cualquier punto de vista, una de las mejores canciones de rock de todos los tiempos, y una de mis favoritas. Rock And Roll, titulada inicialmente It's Been A Long Time, fue concebida como un homenaje a las canciones clásicas del género, y así no es extraño encontrar al final de la canción a Ian Stewart, el pianista de los Stones o descubrir que el ritmo de la batería deriva del de Good Golly Miss Molly de Little Richard. Ese ritmo de batería es uno de los mejores que se recuerdan, hasta el punto de haber sido sampleado por varios grupos actuales, como los Beastie Boys (y seguramente de forma oculta por otros muchos grupos de hip-hop).
Por cierto, puede que el nombre de Ian Stewart no os recuerde nada a los Stones (¿pero no eran Jagger, Richards y todos esos?) pero es cierto: Stewart era miembro de los Stones, pero su primer manager, Andrew Loog Oldham, decidió que su aspecto no era lo suficientemente comercial, y le convirtió en mero road manager. Ian era amigo de los Zeppelin, y volvería a repetir con ellos en Boogie With Stu, una canción cuyo riff es casi idéntico al de Rock And Roll, excepto en el tempo.
The Battle Of Evermore
(Jimmy Page & Robert Plant)
Tras un arranque tan vigoroso, se impone escuchar una canción más lenta. Y se trata de The Battle Of Evermore, una canción hermosísima de temática medieval-fantástica y con la voz invitada de Sandy Denny, vocalista de Fairport Convention. La leyenda de la canción dice que Sandy casi se ahoga para intentar llegar al tono de Plant, aunque esto parece una exageración. En cualquier caso, la suma de estas voces es uno de los momentos cumbres del disco.
La instrumentación se aleja de lo habitual en Led Zeppelin (no hay batería) y así podemos escuchar a Jimmy Page tocando la mandolina; desde luego que no es lo suyo, pero hay que admirar su versatilidad. Pero voy a detenerme en analizar la letra:
Por aquel entonces, Robert estaba leyendo un libro sobre las guerras en la frontera de Escocia, lo que mezclado con la habitual influencia de Tolkien, dio forma a la canción. Aparte del "Señor Oscuro", que sería Sauron, hay una referencia más oscura; los "ringwraiths" son los Nazgul, y ese es el nombre que les da la gente de la tierra media. Los Nazgul son sirvientes de Sauron, que recorren la tierra en busca del anillo, encontrado por Bilbo Bolsón ("Bilbo Baggins" en El Hobbit. Los Nazgul visten de negro, y de ahí la línea de la canción. Tambien podemos identificar a la "reina de la luz" como Galhadriel. Otras referencias son Avalon (la región mágica a donde fue el rey Arturo tras su muerte) y las runas mágicas, que seguramente son los cuatro símbolos de la banda. El resto de alusiones provienen de un libro de Lewis Spence, "The Magic Arts in Celtic Britain".
Stairway To Heaven
(Jimmy Page & Robert Plant)
LA canción. No importa a quién se lo preguntes, el nombre de Led Zeppelin está indisolublemente unido a Stairway to Heaven, posiblemente la mejor canción rock de todos los tiempos. Las cifras cantan, y Stairway to Heaven es una de las canciones más radiadas de todos los tiempos, más de 3 millones de veces, y es pieza obligada de todos los aspirantes a guitarrista (también es la partitura más vendida de la música rock).
Siguiendo con el caracter mítico (o mitológico) de todo el disco, circula una bonita leyenda sobre el primer concierto en que la banda tocó Stairway to Heaven: fue en el Ulster Hall de Belfast, el 5 de marzo de 1971, antes de que se publicara el disco, y los chicos querían comprobar si al público le gustaría la canción. La tocaron perfectamente, sin ningún fallo, y al acabar el público se quedó en silencio. "Creo que dejaremos ésta fuera" dijo Plant a los demás. Y justo cuando se giraba, vio una luz en el público; de repente, una atronadora ovación pidió que repitieran la canción. Si bien esta historia no esta confirmada, hay otra que sí lo está: la versión más larga que jamás hicieran Led Zeppelin coincidió con... su último concierto, el 7 de Julio de 1980 en Berlín.
Pero vamos a la canción. La letra es mágica, intrigante, y sobre todo hermosa. Se dice que estaba dedicada a una mujer que conocían Page y Plant, pero la referencia a la "dama" podría hablar más del materialismo ("hay una dama que cree que todo lo que brilla es oro". La referencia clara a esta mujer sería el trozo de la "Reina de Mayo", la chica que preside una fiesta de la primavera. El trozo del "seto" (hedgerow) sería una alusión más o menos directa a los genitales femeninos (en jerga inglesa, "bush", arbusto) y toda la estrofa hablaría de la llegada a la madurez de una adolescente. Plant ofrecía una versión más refinada:
"Lo que es, es el comienzo de la primavera, cuando los pájaros hacen sus nidos, cuando empiezan la esperanza y el nuevo año. ¡Y no tiene nada que ver con esas cosas raras que se leen en América!"
Las cosas raras de las que habla Plant merecen un comentario aparte. Aunque parezca mentira, hay quien piensa que Stairway to Heaven contiene un mensaje oculto, que se descubre al poner la canción al revés. La técnica para ocultar mensajes invertidos en una canción (si es que existe como técnica) se llama "backmasking", y tuvo como descubridores a varias sectas ultrarreligiosas de Estados Unidos, siempre dispuestos a encontrar influencias perversas en la música rock. Según esto, al llegar al trozo "...yes there are two paths..." de la canción, se puede escuchar "Here's to my sweet satan" (¿). Todo esto enlaza con el rumor de que el grupo había vendido su alma al diablo a cambio de fama y fortuna, lo que los acarreó numerosas desgracias: la muerte del hijo de Plant, la de Bonham, etc. Este rumor no es nuevo, y ha rodeado a artistas como Nicola Paganini, Jim Morrison, Eric Clapton (que también es "dios", según las pintadas que aparecían en los locales donde actuaba) Alice Cooper y en general cualquiera con un mínimo éxito.
Volviendo a temas más serios, la música de Stairway To Heaven destaca por la perfecta fusión de elementos acústicos y eléctricos. Al principio de la canción oímos el tema principal, interpretado por una flauta dulce (no es un mellotron, como creen algunos) que toca, para variar, Jones. Enseguida aparece la guitarra y luego la voz de Plant; la guitarra va ganando en fuerza y aparece la batería, impecable. Por su parte el solo se grabó en varias tomas con una Fender Telecaster; Page probó varios solos distintos y escogió después el que más le convencía; hay varias tomas alternativas en discos piratas, pero ninguno de los solos es mejor que éste.
Por último, ante una canción tan apabullante como esta, uno siempre se lanza a buscar parecidos o coincidencias. Así, los más entendidos (o los más aguafiestas) aseguran que los acordes iniciales remiten a una canción de Johnny Rivers, llamada Summer Rain, o quizás a And She's Lonely, de la Chocolate Watch Band, un grupo psicodélico. Es poco probable que Led Zeppelin se inspiraran en estas canciones, pero si resulta más probable que lo hicieran con Taurus, un tema instrumental del grupo Spirit. De cualquier modo, los acordes que siguen a la introducción y el desarrollo de la canción son puramente originales, y más bien ha sido Stairway To Heaven la que ha influído al resto del mundo en la manera de hacer canciones acústicas. Pura magia.
Misty Mountain Hop
(Jimmy Page, Robert Plant & John Paul Jones)
La cara B del disco empieza con el mismo vigor que la primera. Misty Mountain Hop tiene un ritmo que hace que no pase desapercibida. El título de la canción es de nuevo una alusión a Tolkien, en concreto a uno de los lugares mencionados en El Hobbit. Sin embargo, la historia que cuenta Robert es mucho más realista e irónica.
Parece claro que la letra se refiere a ciertos problemas con la policía y con algun tipo de sustancias ilegales; otras fuentes señalan que puede estar relacionada con el cierre de una comuna cerca de Londres. Sea como fuere, cantar esa letra planteaba sus dificultades, y así una de las lineas se "atraganta" (la que comienza con "there you sit...". Sin embargo, el grupo debió pensar que la toma era demasiado buena para cortar (y la verdad es que sí).
Four Sticks
(Jimmy Page & Robert Plant)
Una de mis canciones favoritas del disco, con una atmósfera realmente hipnótica. Puestos a buscar interpretaciones enigmáticas, el título ("cuatro palos" se prestaría a ello, pero la explicación es mucho más sencilla; John Bonham toca la batería con dos baquetas en cada mano, lo que explica el ritmo tan rotundo y el título.
Four Sticks es una canción un tanto infravalorada, como lo demuestra el hecho de que sólo se interpretó una vez en público en Copenhague en el 70 (curiosamente en el mismo concierto la banda hizo su única interpretación de Gallows Pole). A cambio, fue una de las dos canciones que Led Zeppelin grabaron en una sesión especial acompañados por la Orquesta Sinfónica de Bombay -la otra fue Friends-. Sin duda, lo mejor de Four Sticks, aparte del ritmo de bateria, es el riff de guitarra, tan machacón como efectivo y sobre todo, la parte vocal. Hacia el final de la canción, Plant se desmelena y empieza a "maullar", en un tono inalcanzable para cualquiera.
Going To California
(Jimmy Page & Robert Plant)
Según Plant, Going To California refleja una de sus obsesiones líricas: la búsqueda de la mujer perfecta, una mujer que "nunca ha nacido", según dice la canción. Hasta tal punto que solía añadir un verso cuando interpretaba la canción ("it's infinitely hard", es infinitamente difícil). En el concierto de Knebworth en 1990, añadió: "¿Sabéis? Sigue siendo difícil".
Aunque puede que Going To California sea la pieza más floja del disco, no desmerece al resto, y es una canción muy agradable de escuchar. Recientemente algunos han señalado el parecido entre esta canción y Given To Fly, de Pearl Jam (1998). Esta última tiene un sonido mucho más fuerte, que la hace más Zeppelin incluso que su "original".
When The Levee Breaks
(Jimmy Page, Robert Plant, John Paul Jones, John Bonham & Memphis Minnie)
La mejor manera de acabar el disco era con un blues, la tercera fuente de la que se alimentaban Led Zeppelin (las otras dos serían el folk y el rock and roll clásico). Pero este no es un blues cualquiera; desde el primer segundo, una batería descomunal nos graba el ritmo en la cabeza. Para conseguir este sonido único, Andy Johns y Jimmy Page experimentaron variando la posición de los microfonos y de la batería de Bonham. Finalmente, colocaron la batería junto a unas escaleras, y el micrófono unos tramos más arriba, recogiendo este sonido cavernoso.
When The Levee Breaks es una versión radicalmente diferente de una canción de Menphis Minnie y Kansas Joe McCoy, grabada hacia 1928. La historia de la canción, y del "dique" es bastante curiosa. Después de la guerra civil americana, muchos antiguos esclavos se asentaron y construyeron sus granjas en la ribera del Mississippi, desde el norte de Greenville hasta Memphis (una zona que se suele llamar el "delta", aunque no hay que confundirla con el delta del río, al sur de Nueva Orleans). La razón de que se instalaran allí fue la riqueza del suelo, que sufría periodicas inundaciones. Precisamente para paliar esas inundaciones se construyó un dique de 45 pies de altura. A principios de este siglo, las inundaciones devastaron varias granjas y cosechas, y muchas familias emigraron rio arriba hacia Chicago, a la vez que aumentaba la delincuencia o la prostitución en las zonas junto al río. Curiosamente, también proliferaban los locales donde empezaron a tocar bluesmen como Robert Johnson, Tommy Johnson o Son House. Los patrones de los locales eran muy exigentes, y parece ser que los músicos podían meterse en problemas si no agradaban al público.
Todo esto recogido en la canción, de nuevo con un Robert Plant sobresaliente, y la guitarra de Page acompañando perfectamente a Bonham, y más efectos curiosos, como el "panning" (el sonido cambia de un canal al otro) final y algunos trozos de guitarra grabados y reproducidos al revés.
Bajar Acá!
